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El arpa es un instrumento de la familia de la cuerda, más específicamente dentro de los instrumentos de cuerda pulsada. Está formada por un cuerpo de madera resonante y un gran número de cuerdas tensadas entre la parte inferior y la superior del instrumento.

En la historia de la música han aparecido muchos instrumentos similares al arpa y que se consideran sus antecesores. Se conocían ya instrumentos de este tipo en la antigua Asiria, en Israel, Egipto y Grecia. Durante la Edad Media el arpa tuvo su etapa “dorada” que terminaría en el Renacimiento donde se abandonó bastante este instrumento. Se recuperó en el s. XVIII, cuando se le agregaron los pedales.

En cuanto al arpa europea podemos encontrarnos con dos tipos instrumentos diferentes:

–          El arpa medieva o arpa bárdica, de origen irlandés. La más pequeña de las dos, con una medida que no supera los 75 cm de altura. Suelen tener grandes ornamentos, dibujos e incrustaciones de metal. Su afinación es diatónica y sus cuerdas metálicas.

–          El arpa celta de origen galés. Puede llegar a medir hasta 105 cm de altura. Tiene 34 cuerdas y puede incorporar sistemas de semitonos.

A finales del s. XVII, un lutier bávaro inventó el arpa con pedales, 7 concretamente, uno para cada grado de la escala musical, situados en la base del instrumento. Pero fue S. Erard quien en 1811 presentó el modelo que se conoce en la actualidad, conocido como modelo de “doble acción”.

Actualmente el arpa contiene 47 cuerdas de diferentes tipos. 26 pertenecen al registro medio y son de tripa de carnero; 10 u 11 pertenecen al registro agudo y son de nylon; las 12 restantes son de alpaca o cobre entorchadas en acero y pertenecen al registro grave. La extensión del registro del arpa es de 6 octavas y media. Esto hace que sea, tras el órgano y el piano, el instrumento con la extensión más grande.

El Violoncello o Cello es un instrumento de la familia de cuerda frotada.  Mientras que el violín y la viola se apoyan en el hombro izquierdo y se sujetan con la barbilla, el violoncello, a causa de su mayor tamaño, se sostiene entre las rodillas cuando el intérprete está sentado; una clavija ajustable que va de la parte inferior del instrumento hasta el suelo proporciona apoyo adicional. El mástil del violoncello se sitúa por encima del hombro izquierdo del intérprete.

El instrumento tiene cuatro cuerdas cuya afinación, de la más grave a la más aguda, es: Do, Sol, Re, La. Toda la música para violoncello se escribe bien en las claves de Fa, Do en 4ª o de Sol.

Debido a la mayor longitud de las cuerdas del violoncello, se usa un sistema de digitación diferente del que se emplea en el violín o la viola. En esta digitación, puede intervenir el dedo pulgar de la mano izquierda.

Se trata de un instrumento con un sonido amplio y dulce, de una calidad lirica i cálida inigualable.

Debido a su papel fundamental a lo largo de la historia como bajo en la sección de cuerda, y sus posteriores avances técnicos, encontramos en el violoncello un instrumento versátil, con un repertorio extensísimo. El repertorio para violonchelo es rico en conciertos de grandes compositores, desde el periodo Barroco hasta el siglo XX. Algunos ejemplos excelentes de encuentran en obras de Boccherini, Haydn, Beethoven, Schumann, Brahms, Dvorak… Actualmente, y debido a su gran versatilidad lo encontramos incluso dentro de grupos de Heavy Metal, como el grupo Apocalyptica.

Algunos de los grandes intérpretes a lo largo de la historia de este instrumento han sido: Luigi Boccherini, Pau Casals, Jacqueline du Pré, Yo-yo Ma o Mstislav Rostropóvich.

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El fagot es un instrumento musical que pertenece a la familia del viento madera y a la subfamilia de los instrumentos de lengüeta doble (oboe, corno inglés, etc.).

El fagot tiene dos variantes que son el fagotino (más pequeño) y el contrafagot (más grande). Todos ellos son instrumentos de tubo cónico. Su registro es de 3 octavas y media y se divide en 4 registros (grave, medio, agudo y sobre agudo). La longitud del instrumento es de 156 cm y la longitud total del tubo es de 250 cm. Las partes que forman el fagot son: la campana, el cuerpo grave, la culata (contiene un codo metálico donde el tubo cambia de dirección), la pieza tudelera, el tudel y la caña o lengüeta.

Históricamente el fagot tiene antecedentes que ya se utilizaban en la antigua roma, aunque surgió como instrumento diferenciado a lo largo del s. XVII. El instrumento del cuál desciende directamente es el dulcián, que ya existía a mediados del siglo anterior. En la evolución del fagot, la mejora más importante que se le aplicó fue la incorporación de las llaves de metal que permitían abrir o cerrar orificios a los que era imposible llegar con los dedos. Fue a mediados del s. XVII cuando el fagot se incorporó a la orquesta en la cual ha seguido hasta la actualidad. Su papel dentro de esta formación ha evolucionado desde que empezó como instrumento con función de bajo hasta que se ganó un lugar dentro de los instrumentos utilizados como solistas.

El contrabajo es el segundo instrumento más grande, y por tanto el segundo más grave, de la familia de los instrumentos de cuerda frotada (violín, viola, violoncello y octabajo). Debido a su tamaño ha de ser tocado de pie o sentado en un taburete alto.

Generalmente cuenta con 4 cuerdas, aunque existen contrabajos de 3 o 5 cuerdas. Estas cuerdas se afinan por cuartas ascendentes (sol-re-la-mi).

El sonido del contrabajo se produce por la vibración de las cuerdas cuando éstas son frotadas mediante un arco o pulsadas con los dedos (pizzicato). Es la caja de resonancia la que da cuerpo y forma a las vibraciones producidas por las cuerdas.

El origen del contrabajo se remonta al S. XVI, donde existía el violone, del cual deriva. Fue en el s. XIX cuando adoptó la forma y características actuales. Fue también en el s. XIX cuando se incorporó a la orquesta, en la cual comenzó teniendo un papel secundario. Su gran tamaño no posibilitaba un virtuosismo al nivel del violín o el cello por ejemplo. Poco a poco algunos compositores fueron depositando su confianza en este instrumento y con el paso del tiempo fue adoptando un papel más importante como instrumento solista. Aunque el auge del contrabajo no llegaría hasta el S. XX, gracias al jazz.

La viola es un instrumento musical perteneciente a la familia de la cuerda frotada (violín, viola, violoncello, contrabajo y octabajo). Por tamaño es el segundo más pequeño de la familia después del violín y como consecuencia el segundo más agudo en cuanto a la tesitura. Posee 4 cuerdas afinadas en intervalos de quintas (do-sol-re-la).

La viola, al igual que los otros instrumentos de su familia, puede ser tocada con dos técnicas diferentes. La primera y más convencional es frotando un arco contra sus cuerdas; la otra consiste en pulsar o pellizcar las cuerdas con la yema de los dedos (pizzicato). El sonido lo producen las cuerdas al ser frotadas o pulsadas y es amplificado gracias a la caja de resonancia.

Por lo que se refiere a la historia de este instrumento, hemos de saber que es heredero directo de la viella de cuerda. Otros antecedentes de la viola son la viola quintón, la viola a spalla (viola de hombro), la viola da braccio (viola de brazo, la más parecida a la actual) y la viola da gamba (viola de pierna, similar al cello).

La viola, tal y como la conocemos hoy en dia, nació entre los siglos XVI y XVII. Posee un timbre muy bello y dulce. Su extensión es de más de 3 octavas, aunque mediante el empleo de sonidos armónicos su registro se amplía aún más.

El papel de la viola en la orquesta es importantísimo ya que enriquece la armonía y aporta un timbre más aterciopelado. Se han escrito numerosas obras para viola solista. Aunque tradicionalmente la viola no ha gozado de un buen prestigio (ya que era tocada por violinistas fracasados) poco a poco ha ido mejorando su imagen gracias a que grandes músicos especializados únicamente en éste instrumento han demostrado que puede ser un instrumento casi tan virtuoso como el violín.

El violín es un instrumento perteneciente a la familia de cuerda. Es el instrumento más agudo de esta sección. Se apoya en el hombro izquierdo, se sujeta con el lado izquierdo de la barbilla y se sostiene desde abajo con el brazo y la mano izquierdos, situando la mano sobre el mástil del instrumento. Este instrumento tiene cuatro cuerdas que, de grave a agudo, se afinan de la siguiente manera: Sol Re La Mi.

El violín ha sido durante mucho tiempo uno de los instrumentos predilectos como solista para muchos compositores. Casi todos los grandes maestros de música orquestal desde el periodo barroco han escrito conciertos para violín para exhibir el tremendo registro, la versatilidad y las posibilidades de expresión del instrumento. Todos debemos estudiar las obras maestras en este género de compositores como Bach, Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Brahms, Tchaikovsky, Berg, Bartók… por solo nombrar algunos.

El violín es el instrumento madre en la orquesta. Es el instrumento que tradicionalmente ha llevado la voz melódica, la voz cantante en las obras orquestales. Posteriormente el rol dentro de la orquesta se fue igualando entre todos los músicos, pero toda la música sinfónica desde el barroco hasta casi el siglo XX estaba compuesta pensando en el violín como el “rey de la orquesta”.

La construcción de violines también es considerada un arte. Es mundialmente conocida la calidad de los violines construidos por el lutier Antonio Stradivarius. Estos instrumentos de valor incalculable, son autenticas obras de arte por su construcción artesanal y su sonido incomparable.

Algunos de los intérpretes más destacados del violín son Yehudi Menhuin,  Jascha Heifeth, Itzhak Perlman o Isaac Stern.

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La guitarra clásica es un instrumento de cuerda pulsada, formado por un cuerpo o caja de madera, un mástil sobre el que se sitúa e diapasón o trastero y 6 cuerdas. Sobre el trastero se sitúan los trastes, que indican la altura a la que se tienen que pulsar las cuerdas para obtener las diferentes notas.

Es un instrumento utilizado prácticamente en todos los géneros y estilos musicales, desde la música clásica hasta el rock, el flamenco o el blues, pasando por el tango, las rancheras y la música folclórica de los distintos países. Es parte fundamental en las formaciones de rondalla o orquesta de pulso y púa.

Como la mayoría de instrumentos, la guitarra tiene variantes que amplían su familia y su registro. Algunas de estas variantes son el requinto, el charango o el guitarrón.

No se conoce el origen claro de los antecedentes de la guitarra, pero se han encontrado dibujos y tallas en las que aparecen instrumentos parecidos desde alrededor del año 1000 a. de C. a lo largo de la historia han ido apareciendo y evolucionando instrumentos de cuerda pulsada por todas las partes del mundo hasta llegar a la guitarra tal y como la conocemos hoy en día.

Actualmente hay dos tipos básicos de guitarra: la clásica y la flamenca, algo más pequeña que la clásica, con distintos materiales que la hacen menos resonante pero más percusiva.

El oboe es un instrumento perteneciente a la familia del viento madera. Se trata de un instrumento de doble caña o lengüeta. El oboe, que es sobre todo un instrumento lírico, es posible que tenga la personalidad más singular de todo el grupo de viento madera. Muchas personas han descrito este instrumento de doble caña como la prima donna de la sección de maderas. Esto no se debe al lugar que ocupa en la sección sino a que es un instrumento peculiar. La  parte más volátil del oboe es la caña, que se inserta en la parte superior del tubo. Todos los intérpretes profesionales del oboe fabrican sus propias cañas, que deben ser absolutamente perfectas si el intérprete quiere tocar sin problemas.

Al igual que otros instrumentos de la sección de madera, el oboe tiene instrumentos auxiliares que amplían su registro: es el caso del corno inglés, el oboe de amor, o el oboe barítono. Tal y como sucede en otros instrumentos, como la flauta, el intérprete de oboe en muchas ocasiones debe, dentro de una misma pieza, ir alternando instrumentos de la familia, generalmente el oboe y el corno inglés.

El origen del oboe lo encontramos en la antigua Grecia, donde existía un instrumento de doble caña llamado aulos. Se cree que este es el antecesor más remoto conocido del oboe.

A lo largo de la historia de la música, vemos que el oboe, por sus particularidades sonoras, ha tenido siempre un papel bastante notable en la música. Su sonido fuerte i penetrante lo hacen un instrumento ideal en el que fijar la atención para destacar líneas melódicas importantes, o partes líricas.

Durante el periodo barroco encontramos el oboe da caccia  y el oboe de amor. Estos instrumentos, con el tiempo han ido cayendo en desuso, aunque aún encontramos algunos pasajes solitarios escritos para alguno de estos instrumentos. A partir del periodo clásico, el instrumento que se usaba era el oboe ya, menos evolucionado que en la actualiad, pero oboe al fin y al cabo.

Encontramos un repertorio muy extenso de música escrita para oboe, su timbre peculiar y la agilidad técnica que su construcción facilita ha hecho de éste un instrumento amado por muchos compositores.

Algunos de los intérpretes más brillantes son Heinz Holliger, François Leleux o Hansjörg Schellenberger.

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Los instrumentos de percusión han estado entre nosotros desde la aparición de la humanidad, especialmente en las culturas muy desarrolladas de Asia y África. No ha sido sino hasta el siglo pasado cuando los compositores y músicos de concierto han mostrado interés por su potencial expresivo. La familia de percusión es, sin duda, la más extensa de todas las familias instrumentales.

Progresivamente, la percusión ha ido cogiendo relevancia dentro de la orquesta. En los siglos XVII y XVIII la percusión se usaba en partes instrumentales de ópera, o en la música sinfónica se usaban los timbales para reforzar los tuttis. Durante la mitad y el final del siglo XIX fueron aceptados sin reservas como instrumentos llenos de recursos tímbricos.

Esta gran batería de instrumentos se puede clasificar de muchas formas. La clasificación más general es la de dividirla en instrumentos con afinación determinada (aquellos que producen notas reconocibles, como el xilófono o los timbales) y de afinación indeterminada (cuyos sonidos no tienen una altura clasificable, como la caja o los platos).

El musicólogo Erich von Hornbostel dividió los instrumentos de percusión según el sistema de producción sonora. En cuatro grupos: idiófonos, que producen el sonido por la vibración de todo el cuerpo (triangulo, platos, vibráfono, campanófono…); membranófonos, que producen el sonido mediante la vibración de una piel o membrana tensa (tambor, caja, timbales…); cordófonos, que producen el sonido mediante la vibración de cuerdas percutidas (piano, cimbalón…); y aerófonos, cuyo sonido se produce por la vibración de una columna de aire en un cuerpo cerrado (silbatos…)

Es notable el papel de la percusión en la música contemporánea que ha encontrado en esta familia instrumental un laboratorio extensísimo donde poner en práctica sus fantasías sonoras.

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El piano es un instrumento que pertenece a la familia de cuerda percutida. Es, quizás, el mejor conocido y más versátil de todos los instrumentos actualmente en uso. Ha protagonizado probablemente más conciertos como solista que ningún otro instrumento.

El piano tiene el registro más amplio de todos los instrumentos usados en la orquesta. Por esta razón y por el elevado número de recursos técnicos que permite usar, los compositores de todas las épocas han invertido muchos esfuerzos en crear literatura pianística. Seguramente, el mayor repertorio que existe dedicado a un instrumento, es repertorio pianístico.

Como antecesor del piano encontramos instrumentos como el clavecín, también de teclado pero con cuerda punteada, en vez de percutida, muy importante durante el periodo barroco. La aparición del piano, en el siglo XVIII, fue toda una revolución puesto que los compositores tenían a su abasto una herramienta que les permitía hacer perfiles dinámicos (pianos y fortes), dando como resultado una lírica muy marcada. Es en el siglo XIX donde la escritura pianística alcanza su máximo esplendor de la mano de compositores como Chopin, Liszt, Brahms, Schumann…

Otras de las razones por la que existe tanta literatura para piano es que se trata del instrumento acompañador por antonomasia. Existe un repertorio casi infinito de obras escritas para un instrumento solista acompañado por piano. Es, también, el instrumento más didáctico ya que permite a los estudiantes familiarizarse con la ejecución polifónica (a varias voces) y desarrolla un sentido armónico que es más difícil desarrollar en instrumentos monofónicos (aquellos que solo producen un solo sonido).

También es un instrumento que se ha hecho su lugar en la música ligera: pop, rock, blues, jazz…

Algunos de los intérpretes más notables del piano son: Vladimir Horowitz, Martha Argherich, Arthur Rubinstein, Glenn Gould…

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El saxofón o saxo, es un instrumento perteneciente a la familia de viento madera. Aunque está construido en metal, se incluye dentro de esta familia por varias razones: su sonido es un sonido parecido a la familia de clarinetes más que a ninguna otra, se tocan con una boquilla y una sola caña muy similar a la del clarinete, su uso es el de un instrumento de viento madera.

El saxofón es un instrumento relativamente reciente. Fue inventado por Adolphe Sax hacia 1840 en París. En la actualidad hay gran variedad de saxofones y se usan profusamente; se utilizan como sección en el repertorio para banda, en la música de jazz… De manera más limitada dentro del repertorio orquestal convencional.

La familia de saxofones está compuesta por cinco instrumentos principales que son (de agudo a grave): saxo soprano, saxo alto, saxo tenor, saxo barítono y saxo bajo. Existen otros, como el saxo sopranino o el saxo contrabajo, pero son muy poco frecuentes.

Los estudiantes de saxofón suelen iniciarse en el estudio del instrumento con el saxo alto, aunque es frecuente hacerlo también con el saxofón tenor. Al tener la misma digitación todos los saxos, un profesional es capaz de tocar perfectamente cualquier instrumento de la familia.

Como decíamos, el saxofón tal vez sea el que ha encontrado mayor lugar en músicas ligeras. Son numerosos los ejemplos de música pop, disco, rock, blues… con uso de saxofón.

Dentro de la música contemporánea, los compositores han encontrado un instrumento de un timbre bellísimo y con recursos tímbricos interesantísimos en el que dar rienda suelta a su imaginación sonora. Por esta razón encontramos una gran literatura escrita recientemente para saxofón.

Algunos de los intérpretes de saxofón son Marcel Mule, John Zorn, Sigurd Rascher, Charlie Parker (jazz), John Coltrane (jazz)…

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El trombón es un instrumento perteneciente a la familia de viento metal. El trombón realiza sus notas, acortando o alargando la longitud de su tubo mediante una vara en forma de U que se desliza por el interior de la otra. Por esta razón muchos lo conocen como trombón de varas. Sin embargo, existen también trombones que funcionan con un mecanismo de pistones, igual que el de otros instrumentos de la familia de viento metal como la trompeta o la trompa, son los llamados trombones de pistones o de válvulas. No es extraño el uso de estos últimos pero está mucho más extendido el uso del trombón de varas.

El trombón es un instrumento potente, de gran brillo y de gran lirismo. Podemos decir que es un instrumento orquestal muy versátil. Puede usarse en solos o para proporcionar un fondo armónico cálido. También funciona bien como parte contrapuntística.

En su origen, como sugiere su nombre, el trombón es una trompeta grande. Uno de sus predecesores pudo ser la trompeta bajo, cuya larga tubería, pesada y difícil de manejar, estaba enrollada en espirales. Otro antecesor lo encontramos en el sacabuche renacentista. Este instrumento también contenía el sistema de vara para realizar las diferentes notas. Debido a su menor tamaño era un instrumento menos potente que el trombón actual pero, sin duda, un antecesor.

Dentro de la música sinfónica, el papel del trombón ha ido evolucionando progresivamente. Antiguamente, durante el periodo clásico, el uso del trombón se solía reservar para misas de difuntos, fanfarrias y óperas. A medida que pasó el tiempo, ya en el siglo XIX, el trombón es miembro esencial de la orquesta sinfónica y su papel e importancia han ido creciendo.

El trombón encuentra también su lugar dentro de las bandas de jazz, ya sea como instrumento solista como miembro de las big bands.

Algunos trombonistas notables son John Marcellus, Christian Lindberg, George Chisolm o Bernard Zacharias (jazz)…

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La trompa, conocida también como corno francés, es un instrumento de viento metal con un registro muy amplio y un timbre muy rico y expresivo. Puede emitir tanto sonidos suaves y dulces como ásperos y duros.

La trompa consiste en un tubo enrollado y estrecho en su comienzo que al final se ensancha para formar la campana. Contiene una serie de conductos y mecanismos que permiten al instrumentista tocar todos los sonidos de la escala cromática, cosa que no siempre ha sido así.

El sonido se produce al hacer vibrar los labios en el interior de la boquilla mediante la presión del aire. Según la presión con la que se sople y según la colocación de los labios se conseguirán sonidos más agudos o más graves.

Actualmente se utilizan generalmente trompas dobles, es decir, trompas que contienen dos sistemas de tuberías diferentes, uno en fa y el otro en sib, que serán utilizados dependiendo de las necesidades del intérprete. Se puede cambiar de un sistema a otro gracias a una llave llamada transpositor.

La trompeta es un instrumento de la familia del viento metal. Es el instrumento más agudo de esta familia, y el más ágil de sus miembros.

Como la trompa, la trompeta antigua no tenía válvulas, pareciéndose a las cornetas de hoy. Su timbre era brillante. En el periodo barroco se produjo un extraordinario estallido de virtuosismo trompetístico. El papel que se le exigía a la trompeta en aquella época rivalizaba con los del oboe y el violín. Con el auge de la escritura homofónica a mitades del siglo XVIII, éstas interpretaciones tan intrincadas fueron desapareciendo progresivamente. Las melodías que se escribían en este periodo hubieran sonado demasiado penetrantes y estridentes en la trompeta. Por esto los compositores relegaron a este instrumento al papel de acompañante, manteniendo notas largas o tocando pasajes de acordes en los pasajes de tutti. Esta práctica continuó durante el siglo XIX, hasta el advenimiento de la trompeta con válvulas, que la impuso como un instrumento de una gran importancia dentro de la orquesta.

Las primeras trompetas de válvulas hicieron su aparición alrededor de la mitad del siglo XIX. Estaban hechas con trompetas sin válvulas a las que se habían añadido tres válvulas.

El instrumento, con su amplio y noble sonido, tiende a dominar a la orquesta. Las melodías escritas para él por Mahler, Bruckner, Richard Strauss u otros la identifican como una voz fundamental dentro del transcurso musical.

Hoy en día se dispone de una gran variedad de trompetas que se utilizan a menudo para ejecutar tanto música barroca como música recientemente escrita.

Algunos intérpretes notables de éste instrumento son Maurice André, Timofei Dokshizer…

Es notable el uso de este instrumento dentro de la música de Jazz, destacando en su interpretación músicos tan notables como Miles Davis, Chet Baker o Louis Amstrong.

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La tuba es un instrumento perteneciente a la familia de viento metal. Es el autentico bajo de esta sección y puede tener la misma categoría y consideración que el contrabajo y el contrafagot. Al contrario de lo que se cree, la tuba puede llegar a ser un instrumento de gran lirismo y belleza. Se ha usado satisfactoriamente como instrumento solista.

La familia de las tubas incluye cinco o seis instrumentos distintos, que van des de la tuba tenor en Sib, bombardinos, hasta las tubas contrabajo en doble Do. Estos instrumentos, sirven para ampliar su registro y ofrecer la oportunidad de tener mayor agilidad en tesituras más o menos agudas. Un tubista profesional es capaz de desenvolverse en cualquier instrumento de esta familia. Su sistema de embocadura es similar al del trombón, una boquilla que produce sonido cuando, al vibrar los labios del instrumentista, se hace vibrar la columna de aire. Es el propio instrumento el que actúa como resonador. Las diferentes notas se realizan mediante un sistema de pistones o válvulas que varían la longitud del tubo del instrumento produciendo sonidos más agudos o menos. El sonido de la tuba es profundo, potente e intenso.

La tuba, tal y como la conocemos hoy, no fue introducida en la orquesta sinfónica hasta alrededor de 1875 cuando Richard Wagner la concibió y escribió para ella. Desde entonces es una pieza clave en la orquesta, donde su papel de sustento harmónico es básico y fundamental. Al igual que los contrabajos, este instrumento actúa como bajo harmónico, como cimiento sobre el que se construye todo el entramado orquestal.

A pesar de funcionar, tradicionalmente, como parte encargada de realizar el bajo orquestal, actualmente se piensa en la tuba no solo como bajo sino también como instrumento solista, capaz de realizar solos líricos y expresivos como el que más.

Algunos tubistas de renombre son Paul Borg, David Llacer…

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La flauta travesera es un instrumento perteneciente a la familia de viento madera. Aunque actualmente se fabrican en metal, se trata de un instrumento que, en sus orígenes estaba construido en madera. La flauta es el único instrumento de la sección de instrumentos de madera que no usa lengüeta o caña, y aunque todas las maderas restantes exhiben gran agilidad y sensibilidad, ninguno puede igualar a la flauta en estos atributos.

Al igual que otros instrumentos, la familia de las flautas contiene varios instrumentos auxiliares para así poder abarcar diferentes registros. La familia de las flautas incluye el flautín, la flauta soprano, la flauta en sol y la flauta baja. Es frecuente que, durante una misma composición, el intérprete de flauta deba alternar el uso de la flauta soprano con otros instrumentos de la familia, generalmente el flautín.

El origen de este instrumento es ciertamente remoto. Se tiene constancia de flautas primitivas hechas con huesos, a modo de silbatos. Es un instrumento común a muchas de las culturas y civilizaciones del mundo antiguo. Dentro de los siguientes periodos de la historia, la flauta travesera se fue perfeccionando pero, habrá que esperar casi hasta el siglo XX para alcanzar tener una flauta totalmente evolucionada, como ahora.

Durante el periodo clásico, los compositores alteraban con frecuencia el número de flautas que empleaban en cada obra. Haydn normalmente usaba dos, pero sintió la necesidad de usar tres en su obra La Creación. Mozart a veces usaba solo una, al igual que Schubert en su quinta sinfonía. A partir de Beethoven, en las obras orquestales, la norma era usar un par de flautas. El uso de tres flautas no se convirtió en una norma para la mayoría de las orquestas hasta mediados del siglo XIX, y la sección de flautas ha llegado a incluir un cuarto y hasta un quinto miembro, tocando dos flautines o un flautín y una flauta en Sol.

Algunos interpretes reconocidos de flauta travesera son Jean Pierre Rampal, James Galway…

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El clarinete es un instrumento perteneciente a la familia del viento madera. El clarinete consiste en un tubo cilíndrico al que se ha agregado una campana, con una curvatura un poco más ancha que la del oboe. Una boquilla con una sola caña forma la parte superior de las cinco secciones que constituyen el instrumento.  A esta boquilla a veces se la denomina “pico”.

La familia del clarinete incluye varios instrumentos: desde el clarinete en Mib, llamado requinto hasta el clarinete bajo. Puesto que todos los clarinetes tienen el mismo sistema de digitación, los clarinetistas pueden tocar todos los instrumentos de la familia, independientemente de su tamaño o transposición.

El clarinete tiene el registro más homogéneo de todos los instrumentos de la familia de viento madera, sin importar en qué parte de su registro toque. Un buen clarinetista puede tocar todo el espectro dinámico, de pianissimo más débil al más poderoso fortissimo, del más grave al más agudo de los registros del instrumento.

El clarinete pasó a formar parte de la orquesta sinfónica en el siglo XVIII. Se le llamaba, entonces, clarinetta (pequeña trompeta) ya que las partes que se le asignaban se parecían a las de la trompeta clarín. La designación continuó, aunque el instrumento empezó a desarrollar una personalidad muy diferente en el siglo XIX, tanto así que, de hecho, los compositores del s. XIX consideraban al clarinete el ruiseñor de la orquesta.

Cabe destacar su papel fundamental también dentro de la música para banda sinfónica. Dentro de este ámbito, el clarinete tiene un papel similar al que puede tener la cuerda de violines en una orquesta sinfónica.

Al igual que instrumentos como la trompeta o el piano, el clarinete también se ha hecho su hueco dentro de la música “ligera”. Es bien conocido el papel que ha tenido este instrumento dentro de la música de jazz, de la mano de músicos brillantes como Benny Goodman o Paquito D’Rivera. En el mundo del clarinete clásico destacan figuras como Ernesto Cavallini o Martin Fröst.

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El bombardino es un instrumento que pertenece a la familia de viento-metal, de tubería cónica, pude tener pistones o cilindros y su afinación puede estar en si b o en do, tiene un registro muy extenso, tanto que abarca fácilmente tres octavas  desde el fa 2 al fa 5, dependiendo de instrumentos puede extender  su registro grave.

Las partituras para bombardino suelen estar escritas en clave de fa, aunque dependiendo de países también pueden estar escritas en clave de sol. La digitación es la misma que la de la trompeta, la tuba y el fiscorno. Los antepasados del bombardino los podemos encontrar en el serpentón, instrumento de viento–metal con forma cónica y agujeros como los de la familia viento-madera. Fue inventado por Sommer de Weimar en 1843, aunque hay discrepancias otorgando este invento a Carl Moritz en 1838 y a Adoph Sax en 1843. Es un instrumento de banda y difícilmente lo podemos ver en otras agrupaciones, en el quinteto de metal es incluido algunas veces, pero como solista. Para su estudio en el conservatorio está  considerado como tuba, por su semejanza se le incluye en la familia de la tuba, aunque los músicos profesionales de este instrumento discrepen ya que consideran el bombardino como un instrumento con identidad propia que no pertenece a dicha familia.

Obras importantes para bombardino: Fantasía de Gordon Jacob, Concerto de Joseph Horovitz, Concerto per flicorno basso de Amilcare Ponchielli, Cuatro diálogos de Samuel Adler

La asignatura de Jardín Musical va dirigida a niños y niñas de entre los tres años y los cinco, son tres cursos que se corresponden con los tres cursos de educación  infantil.

Durante estos tres cursos se desarrollan cinco grandes bloques: Expresión vocal e instrumental, corporal, educación auditiva y la expresión plástica y grafomotricidad musical. Todos estos bloques van orientados a la consecución de unos objetivos cuya pretensión es que el alumno sepa distinguir las cualidades del sonido: altura, timbre, duración e intensidad.

La enseñanza de la música y sobre todo en estas edades, contribuye también a desarrollar ciertos aspectos extramusicales, como por ejemplo:

su capacidad para resolver problemas.

su vocación de trabajo en equipo con otros compañeros

su deseo de superación al crearse nuevas metas

su capacidad expresiva

su coordinación

su memoria

su confianza en sí mismo

su concentración

su equilibrio emocional… etc.

El Lenguaje musical es la forma en la que se comunica la música. En él se aprenden los elementos y fundamentos de la música como lenguaje.

La asignatura va dirigida a niños y niñas de entre 8 y 11 años (aunque se puede realizar a cualquier edad a partir de los 8). Consta de 4 cursos que se corresponden con los cursos de 3º a 6º de primaria.

Estos 4 cursos se dividen en dos ciclos de dos cursos cada uno. En cada curso se desarrollan tres grandes bloques: teoría musical, solfeo y dictado. Todos estos bloques van orientados a la consecución de unos objetivos cuya finalidad es que los alumnos dominen el lenguaje musical, aprendan a interpretarlo y a entenderlo.

El Lenguaje Musical es la base para que los alumnos puedan aprender a tocar un instrumento.

La asignatura de Conjunto va dirigida a los alumnos de 3º y 4º de enseñanzas elementales. A este nivel los alumnos ya tienen un nivel de conocimiento tanto del lenguaje musical como de su propio instrumento que les permite formar parte de una agrupación instrumental.

Se considera que esta asignatura favorece el aprendizaje musical e instrumental, así como potenciar la sociabilidad entre alumnos. Éstos deben entender el conjunto como un proyecto común y que deben implicarse todos por igual para que el resultado sea el mejor posible. Cada niño o niña debe trabajar su papel de forma individual para luego poder integrarse perfectamente en el conjunto, de forma que aprenden a ser responsables y a trabajar en equipo.

La finalidad de todo músico es tocar a una agrupación, ya sea la banda, la orquesta, un grupo de cámara, etc. Cuanto antes aprendan los niños y niñas a formar parte de un conjunto, antes aprenderán todo lo necesario para formar parte de alguno de los anteriormente mencionados.

En canto, se denomina coro, coral o conjunto vocal al grupo de personas que interpretan juntas una obra vocal.

La asignatura de coro se imparte durante los cuatro cursos de enseñanzas elementales y es el primer medio que tienen los alumnos de interpretar música en conjunto. El hecho de cantar en un coro ayuda mucho a los estudiantes a la hora de mejorar aspectos imprescindibles para su desarrollo como músicos: mejoran su entonación, su lenguaje musical y su audición.

Por otra parte, el hecho de formar parte de un grupo les aporta una serie de beneficios extra musicales como pueden ser el sentido de la responsabilidad, el trabajo en equipo, la disciplina o la posibilidad de sociabilizar con los compañeros.

La musicoterapia es la utilización de la música y sus elementos (ritmo, altura, armonía, etc.) para promover y facilitar la comunicación, las relaciones, el aprendizaje, el movimiento y otros objetivos terapéuticos en personas o grupos con necesidades especiales.

La musicoterapia es una disciplina de Salud que se ha extendido alrededor del mundo con probada eficacia.

Las metodologías utilizadas difieren dependiendo de las necesidades de a quién vayan dirigidas y de su entorno social y educativo.

Las diferencias entre la musicoterapia y la educación musical son las siguientes:

1. En educación musical la música se usa como un fin en sí mismo (enseñamos a tocar un instrumento) pero en la musicoterapia, la música se usa como un medio para producir cambios.

2. En educación musical tenemos un proceso cerrado e instructivo que está basado en un currículo, en musicoterapia, el proceso es abierto, experimental, interactivo y evolutivo.

3. En educación musical los contenidos se dividen en temas que quedan descritos en el currículo, por su parte, los contenidos en musicoterapia son dinámicos y se van creando a lo largo del proceso.

4. Los objetivos en educación musical son generalistas y universales con poca diferenciación pero en musicoterapia los objetivos son individuales y particulares.

5. Las actividades en educación musical se diseñan para mejorar la calidad de las ejecuciones, pero en musicoterapia solo se considera el valor terapéutico de las ejecuciones.

6. En educación musical no se consideran evaluaciones iniciales y previas, sino que se evalúa linealmente a todos los individuos por igual, pero en musicoterapia se tiene muy en cuenta la valoración inicial y evalúa según los objetivos dinámicos que han sido fijados tras la valoración previa.

7. En educación musical el encargado del proceso es un profesor y en musicoterapia es un terapeuta. El profesor se propone capacitar para el desarrollo de las habilidades musicales, mientras que el terapeuta busca relacionar las experiencias musicales de las personas con sus procesos de salud.

8. En educación musical la relación se establece entre profesor y alumnado, donde el profesor se convierte en un suministrador de los contenidos o motiva la experiencia del aprendizaje. En músicoterapia, la relación se establece entre musicoterapeuta y sus alumnos, creando una alianza terapéutica de ayuda, es decir, los contenidos residen en el propio cliente.

La guitarra eléctrica es un instrumento de la familia de cuerda pulsada. Como particularidad en este instrumento observamos que necesita un sistema de amplificación para ser tocado. Al contrario que sus compañeras de familia (la guitarra española, la guitarra acústica), la guitarra eléctrica necesita un sistema que actúe como “caja de resonancia del instrumento” ya que la mayoría de guitarras eléctricas se construyen sin ésta. Este sistema de amplificación es electrónico. La capacidad que tenemos de manipular el resultado sonoro de estos elementos electrónicos nos ofrece un instrumento versátil, capaz de adaptarse a muchos estilos de música: del blues al tango, del rock al jazz, de la música clásica al pop…

La guitarra eléctrica se construye partiendo del diseño de la guitarra clásica. Tiene un mástil, generalmente con 22, 23 o 24 trastes, donde se distribuyen las diferentes notas que, el intérprete, toca. Tiene un cuerpo donde, en la guitarra española, encontramos el agujero que deja pasar el sonido a la caja de resonancia. En la guitarra eléctrica, en su lugar, encontramos lo que los guitarristas llaman “pastillas”. Se trata de unos electroimanes que funcionan como una especie de micrófonos i que son los encargados de enviar el sonido des del instrumento al sistema de amplificación. La guitarra eléctrica se suele tocar utilizando una púa, un pequeño trozo, generalmente de plástico, diseñado para tocar las cuerdas.

Encontramos muchos diseños diferentes de guitarra eléctrica, muchos de ellos pensados para ser usados en determinados estilos de música… Como hemos dicho, la capacidad de manipular las características sonoras del sistema de amplificación nos ofrece un instrumento muy versátil y es por esto que podemos encontrarlo en contextos muy diversos:

Rock: Van Halen, Jeff Beck, David Gilmour, Steve Vai, Joe Satriani…

Jazz: Pat Metheny, Johm McLaughlin, Oliver Gannon…

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